Gaudí. Centenario.

Puedes leer el artículo a continuación o puedes oírlo y verlo en este enlace: https://youtu.be/QOp7mhaHwDI?si=RgpEQLBsVUx-J4M8

En una de las camas del hospital de la Santa Creu de Barcelona se encontraba un anciano con ropas gastadas y aspecto descuidado al que había atropellado un tranvía. Los curiosos lo tomaron por un vagabundo y tardaron en auxiliarlo. No pudieron averiguar de quién se trataba porque iba indocumentado. Era la noche del 7 de junio de 1926.

El confesor del anciano cerró las puestas de San Felipe Neri extrañado de que no hubiese acudido a rezar, como cada día. No podía sospechar que la tragedia le había sobrevenido mientras acudía a la iglesia.

A la mañana siguiente un capellán se adentró en la galería de arcos apuntados del hospital. Cuando sus ojos se tropezaron con el rostro del herido lo reconoció al instante y dio la voz de alarma. Mientras, los trabajadores de la Sagrada Familia se preguntaban porqué el artista no había acudido a las obras aquel día.

Rápidamente se corrió la voz de que Antoni Gaudí se encontraba gravemente herido. El 10 de junio de 1926, quince días antes del que hubiese sido su 74 cumpleaños, fallecía uno de los más grandes arquitectos de todos los tiempos. Se le despidió con todos los honores y lo enterraron en la cripta de la Sagrada Familia, el proyecto al que había consagrado su vida. Este 2026 se cumplen 100 años.

Gaudí pertenecía a una familia de caldereros. El reumatismo que sufría desde niño le obligaba a pasar frecuentes temporadas de reposo que aprovechaba para observar la naturaleza y aprender de ella. Cuando fue adulto se hizo vegetariano y seguidor de las teorías higienistas. 

Detalle de la Casa Batlló coronada con un dragón con la espada de san Jorge.
Imagen: archivo propio.

Pronto destacó por su maestría en el dibujo y su gran creatividad. Era arquitecto y artesano. Conocía los estilos arquitectónicos, los procesos de producción de la Revolución Industrial y marcó un antecedente en el ecologismo. Se le considera el máximo exponente del Modernismo, pero hay quienes afirman que creó un estilo propio, orgánico, marcado por la mezcla de arquitectura y naturaleza. Siempre afirmaba que la línea recta pertenecía al hombre, pero la curva era de Dios y la utilizaba en las ondulantes formas de sus creaciones. Hacía magia. Era capaz de acostar un dragón en el tejado de una casa o que las columnas clásicas crecieran transformándose en ramas de árbol.

El día que se graduó en la Escuela de Arquitectura, el director sentenció: Hemos dado el título a un loco o a un genio, el tiempo lo dirá.

Vista del Parque Güell.
Imagen: archivo propio.

Fue un genio que transformó Barcelona. De hecho, la mayoría de sus obras están allí. Ya había colaborado con arquitectos famosos en sus tiempos de estudiante, pero el proyecto de la casa Vicens empezó a darle fama.

Poco podía imaginar el joven Antoni que la vitrina modernista que diseñó para una guantería marcaría el rumbo de su vida. Eusebi Güell la vio en la Exposición Universal de París de 1878 y le propuso ser su arquitecto. Güell se convirtió en el mecenas y el mejor amigo de Gaudí. Para él construyó, entre otros proyectos, el parque Güell (1900 al 1914). Mientras se dedicaba a este proyecto, también tuvo otros encargos: el industrial Josep Batlló le contrató para que remodelara su casa y Pedro Milà le confió la suya, que todo el mundo conoce como La Pedrera.

La Pedrera.
Imagen: archivo propio.

Sin embargo, el proyecto más importante de su vida le había llegado antes. Francisco de Paula Villar había iniciado las obras del templo expiatorio de la Sagrada Familia en 1882, pero abandonó el proyecto por diferencias creativas con el promotor. Entonces llamaron a Gaudí. En 1883 comenzó a trabajar en el templo con el propósito de seguir el proyecto neogótico de Villar y terminarlo en 10 años. No pudo cumplir ninguna de las dos cosas. Su creatividad transformó el diseño. El joven que aceptó el trabajo por razones mundanas (diseño, renombre, dinero) se convirtió en un hombre profundamente religioso que creía en el sacrificio, el ayuno y la pobreza voluntaria.

El rechazo a su proposición de matrimonio por parte de la mujer a la que amaba fue un revés de los muchos que le iba a dar la vida. Durante la década de 1910 Gaudí perdió a sus familiares y a sus mejores amigos, incluido a Güell (1918). Se quedó solo en el mundo y decidió consagrar su vida a la construcción de la Sagrada Familia, consciente ya de que era un proyecto monumental que necesitaría varias generaciones de arquitectos para terminarse. Así que dejó instrucciones, hizo dibujos, maquetas y formó personalmente a varios artistas para que continuaran con su proyecto cuando él ya no estuviera.

Interior de la Sagrada Familia. Las columnas terminan en ramas de árboles. Las vidrieras transforman la luz en tonos amarillos, naranjas, azules, verdes y rosas.
Imagen: archivo propio.

Los fondos para la construcción del templo provienen de donaciones privadas y de la venta de entradas. Esperaban poder terminarla en 2026 (centenario del fallecimiento de Gaudí) pero aún continúa en construcción.

El 7 de noviembre de 2010 Benedicto XVI consagró el templo. El 8 de diciembre de 2021, en plena pandemia, Francisco inauguró la torre de la Virgen María a través de un vídeo. El mismo papa nombró a Gaudí Venerable en 2025.

El 20 de febrero de 2026 se terminó de colocar la cruz tridimensional de la torre central y más alta de todas con 172,5 metros. La Sagrada Familia se convertía entonces en el templo católico más alto del mundo.

Este 10 de junio de 2026 llega el papa León XIV para bendecir e inaugurar la Torre de Jesús y conmemorar el centenario de Gaudí.

La UNESCO ha declarado Patrimonio de la Humanidad siete de las construcciones de Gaudí : Parque Güell, Palacio Güell, Casa Milà, Casa Vicens, Fachada de la Natividad y cripta de la Sagrada Familia, Casa Batlló y la cripta de la Colonia Güell.

Maqueta del templo expiatorio de la Sagrada Familia en su museo.
Imagen: propiedad del Museo de la Sagrada Familia.

Puedes oír y ver el vídeo pinchando sobre esta imagen.

Quince años con De buenas a primeras.

Hace un lustro celebrábamos aquí el décimo cumpleblog. Os contaba cómo nació la idea, cómo elegí el nombre y cómo fue creciendo con cada entrada. Este 11 de febrero de 2026 De buenas a primeras cumple ya quince años y se convierte en un blog longevo. 

Portada del blog.
Plantilla propiedad de Blogger.

Un quindenio puede considerarse mucho tiempo o puede pasarse en un suspiro. Todo depende de lo que estemos midiendo. Cuando hablamos de astronomía, de la vida en nuestro planeta o de la historia más remota, quince años arriba o abajo es una datación muy exacta. Pero quince años en la vida de una persona es mucho tiempo, puede ser la distancia que separa el nacimiento de la adolescencia o la juventud de la madurez, por ejemplo. ¡Pueden pasar tantas cosas en quince años! Probablemente cambien las circunstancias personales, familiares, laborales, las prioridades o las obligaciones, puede que todo ello nos deje sin tiempo, sin energía o, simplemente, sin interés en el proyecto. Por eso, quince años de actividad siempre ha sido mucho para un blog. Aunque, por fortuna, quedan bastantes más veteranos que este, otros tantos han cerrado sus páginas ante las modas cambiantes donde se prima la inmediatez, la brevedad y el consumo rápido. 

Yo era quince años más joven cuando comencé con este blog. Estaba ilusionada sabiendo que en internet había un espacio para todo aquel que quisiera contar algo. Podía lanzar mi botella al océano con la esperanza de que algún navegante la encontrara y leyera el mensaje que contenía. Creo que la motivación primera de la escritura es la de expresarse, la de reflexionar, la de hacer un monólogo interno, la de escribir para uno mismo. Hasta los grandes escritores con la imaginación plagada de historias, empezaron contándoselas a sí mismos. Pero es muy bonito cuando, después del esfuerzo y el tiempo invertido, nos encontramos a alguien al otro lado, un lector que además, en los blogs y sus variantes, puede participar dejando sus comentarios o impresiones y haciendo que el monólogo se convierta en un diálogo.

Gracias a todos los lectores: a los que están desde el primer día, a los que estuvieron durante un tiempo y a los que han llegado hace poco; a los que dejan comentarios y a los que no; a los que vienen siempre y a los que solo se asoman de vez en cuando. Sois el gran apoyo que propicia que el blog lleve quince años de vida y que pueda seguir más tiempo.

Y también quiero agradecer a los amigos que recomiendan algunos artículos de este blog y a los que me hacen sugerencias. Me he atrevido, animada por algunos de ellos, a intentar otro formato. Es solo una prueba que hubiese resultado imposible sin la ayuda de Eva. No pretende ser sustitutivo del blog, sino algo esporádico y complementario. Ya me diréis que os parece. Si pincháis aquí está el enlace a la página principal y, en la imagen de abajo, el vídeo que más me gusta hasta el momento.

Jane Austen: 250 aniversario de su nacimiento.

Quién le iba a decir a esa joven que escribía a escondidas, que observaba la vida con mirada irónica y criticaba la rígida sociedad de su época, que sería tan querida como para que el mundo celebrara su nacimiento 250 años después. Eso es lo que ha sucedido, que el 2025 se ha llenado de ediciones especiales de sus novelas, de actos conmemorativos, conferencias, bailes y lujosas cenas. Nunca antes se habían preparado tantos festejos en honor a Jane Austen.

El siglo XIX no lo habría hecho, puesto que durante buena parte de él, nuestra escritora perdió popularidad y la Inglaterra que ella conoció se transformó en la sociedad victoriana, con sus glorias y sus miserias, retratadas por escritores de la talla de Dickens. La época georgiana quedó relegada bajo el peso de los nuevos tiempos y hubo que esperar a las últimas décadas de la centuria para que su figura fuera reivindicada por las nuevas generaciones, alcanzando gran popularidad en el siglo XX cuando se la reconoce como la autora que inició la novela moderna, que creó un puente entre la crónica social de su época y el romanticismo que ya aparece en alguno de sus personajes.

El siglo XXI adora a Jane Austen y no paramos de hacer versiones de todas sus novelas. Las mujeres de hoy en día siguen enamorándose de Mr. Darcy, ya sea el literario, el televisivo Colin Firth emergiendo de las aguas con su camisa blanca en la serie de la BBC (1995) o Matthew Macfadyen en la gran pantalla (2005) declarándose bajo una intensa lluvia por primera vez ante una ofendida Lizzy o en un segundo intento caminando por un solitario y helado amanecer. Ambos estarán ya para siempre ligados a Orgullo y prejuicio, obra favorita de las lectoras y de la propia Austen.

Orgullo y Prejuicio(Cranford collection)edición de RBA inspirada en la de 1885

Aunque vivamos en un período que ha abandonado el género epistolar y los largos y calmados paseos por la campiña, sentimos una gran curiosidad por la Regencia y todo lo que la rodea. Parece que está de moda, y las novelas y series ambientadas en la época proliferan, desde las que ficcionan a Jane, a su hermana o su legado (Miss Austen de Gill Hornby, La sociedad de Jane Austen de Natalie Jenner o Jane Austen arruinó mi vida película de 2024), hasta las que aprovechan la fascinación por esa etapa dándole una vuelta de tuerca, incluyendo personajes multirraciales y añadiendo sexo como Los Bridgerton.

Un tranquilo paseo por la época de Jane Austen.
Imagen generada por la I.A. Gemini

Todos los años se celebran actos conmemorativos y el Festival de Jane Austen en Bath es el más famoso. Es de suponer que la localidad sabe que la escritora no tenía especial predilección por el lugar (aunque aparezca en sus obras) y que se desmayó cuando recibió la noticia de que se mudaban allí. Pero el festival nos permite viajar en el tiempo hasta su época y pasear vestidos como si acabáramos de salir de una de sus novelas. Este año se han esmerado aún más.

Muy afortunado debe sentirse aquel que haya conseguido una invitación (previo paso por caja) para el impresionante baile que ha tenido lugar el 12 de diciembre de 2025 en Chatsworth House, la mansión Pemberley en el film Orgullo y prejuicio (2005).

Vista de Chatsworth house (Derbyshire) donde se han rodado varias películas de época.
Imagen: Wikipedia. Autor: Rprof

En este rinconcito admiramos la obra de Jane Austen y hemos hablado de ella varias veces. Aunque no hayamos pisado Bath, queremos unirnos a las celebraciones por su 250 aniversario. Aquel 16 de diciembre de 1775 vino al mundo una persona llamada a convertirse en figura clave de la literatura universal.

Si deseas saber más sobre su vida y obra puedes leer los dos especiales que le dedicamos aquí.

Video de YouTube. Filmy Channel. Pride and Prejudice: Mr Darcy Proposing Elizabeth (V.O.)

The Walt Disney Company: el centenario.

El 5 de diciembre de 1901 vino al mundo Walt Disney, el hombre que estaba llamado a revolucionar la animación y el cine. Desde muy pequeño demostró sus dotes para el dibujo y se formó para ello.

A principios de los años 20, tras ser despedido del periódico para el que trabajaba como caricaturista, decidió fundar, junto a su amigo Ub Iwerks, la Iwerks-Disney Commercial Artist que quebró a los dos años.

Walt no se rindió y se lanzó al rodaje del corto Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas que mezclaba imagen real y dibujos animados. Consiguió venderlo a una distribuidora de Hollywood y firmar varios contratos.

El 16 de octubre de 1923 Walt y su hermano Roy fundaron Disney Brothers Cartoon Studio, que más tarde se convertiría en The Walt Disney Company.

Al año siguiente Ub Iwerks llegó a Los Ángeles para trabajar con su amigo y en 1925 Walt contrató a la dibujante Lillian Bounds, que poco después se convertiría en su esposa y madre de sus hijas.

El primer éxito de Disney e Iwerks fue el conejo Oswald, pero también su gran decepción ya que la distribuidora se quedó con los derechos.

En 1928 Iwerks, partiendo de un boceto de Disney, creó a Mortimer Mouse. A Lillian le pareció un nombre muy pretencioso y lo bautizó como Mickey Mouse. Con Mickey comenzó todo un universo de personajes icónicos que marcarían el siglo XX.

Cartel conmemorativo del primer corto de Mickey.
Imagen: The Walt Disney Company.

Disney era un hombre de gran talento para crear personajes y contar historias, pero también un gran innovador con visión de futuro. Supo ver que el sonido y el color se impondrían en el cine cuando pocos creían en ello. El tercer corto de Mickey Mouse incorporó ya sonido y él mismo Walt se encargó de doblar a su personaje estrella durante décadas.

En los inicios de 1930 una serie de desavenencias en la compañía desembocaron en la marcha de varios empleados, entre ellos Iwerks que creó su propio estudio, para disgusto de Walt.

En 1932 Disney incorporó el tecnicolor. Árboles y flores se convirtió en el primer corto de animación en ganar un Oscar, galardón que también consiguió Mickey.

Luego se embarcó en un arriesgado proyecto: Blancanieves y los 7 enanitos (estrenada en 1937). Un largometraje animado sonoro y en color basado en un cuento de hadas. En él utilizó la cámara multiplano creada por su equipo para dar mayor sensación de profundidad. Nadie apostaba por un largometraje animado. Hollywood lo llamaba «la locura de Disney», pero él estaba tan seguro que empeñó su patrimonio. El éxito de público y crítica fue rotundo y el reconocimiento llegó en forma de un Oscar acompañado de 7 miniaturas.

Blancanieves y los siete enanitos.
Imagen: Filmaffinity y
The Walt Disney Company.

Utilizó la misma técnica para las siguientes películas: Pinocho (1940) y Fantasía (1940). En esta última ademas incorporó el «fantasound» una innovación sonora que permitía ver la película como si se estuviera asistiendo a un concierto de música clásica.

Pese a todo, las películas de los años 40 no alcanzaron el éxito de Blancanieves y el estudio tuvo graves problemas económicos. Los empleados ya habían mostrado su descontento con el trato que se les daba y la falta de reconocimiento que se hacía más patente cuando no se incluían sus nombres en los títulos de crédito de las películas. Tras el anuncio de la bajada de los salarios los animadores se declararon en huelga. El tema se saldó con más de cien despidos y la inclusión en el siguiente largometraje, Dumbo (1941), de una escena donde se ridiculizaba a los huelguistas retratándolos como los payasos del circo.

Cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial, Disney hizo producciones de corte propagandístico que solo sirvieron para cubrir gastos. Su siguiente película, Bambi (1942) tuvo pérdidas.

Tras ocho años sin volver a hacer largometrajes animados, el estudio decidió adaptar otro cuento de hadas: Cenicienta. Fue una puesta acertada, los salvó de caer en bancarrota y se convirtió en el mayor éxito de la compañía después de Blancanieves. A partir de este film, aunque Disney aportaba muchas ideas y nunca dejó de supervisar las películas de dibujos animados de su estudio, fue delegando estas producciones a sus animadores de confianza. Con Alicia en el país de las maravillas (1951) y Peter Pan (1953) se inició la que se ha llamado «era dorada» de las producciones Disney que continuó con las siguientes películas de los años 50.

La televisión llamó a la puerta de los hermanos Disney. Firmaron un contrato con la cadena ABC que empezó emitiendo sus cortos, después siguieron especiales de gran audiencia y el programa diario The Mickey Mouse Club. El merchandising (que Roy ya había lanzado en 1930) se multiplicó y las ventas se dispararon. Las series Disney fueron un éxito y sus canciones vendieron millones de copias llevando a crear Disneyland Records, su propio sello discográfico. Gracias a estos enormes beneficios Walt pudo hacer realidad su gran sueño: crear el parque de atracciones Disneyland. El primero se inauguró en julio de 1955.

Castillo en Disneyland París.
Imagen: archivo personal.

Las películas de animación continuaron estrenándose con importantes innovaciones: La dama y el vabugundo (1955) fue la primera película de animación en Cinemascope; La bella durmiente (1959) utilizó el lenguaje de las Vanguardias Históricas y el Technirama y 101 dálmatas (1961) usó la xerografía dando la impresión de dibujos imperfectos.

Una promesa (que contamos aquí) y más de 20 años de negociaciones le costó a Walt conseguir llevar a Mary Poppins (1964) a la gran pantalla. Estuvo nominada a 13 Oscar, ganó 5 y se convirtió en el mayor éxito Disney de toda la década de 1960.

Mary Poppins
Imagen: kinefilia.wordpress.com

La compra de los derechos de Winnie the Poop en 1966 y la realización de El libro de la selva (estrenada en 1967) fueron los últimos proyectos de Walt que falleció en 1966. Entonces Roy renunció a su jubilación y se puso al mando de The Walt Disney Company, pero él había llevado siempre la parte financiera y no la creativa. Consiguió mantener la empresa unida, aunque estancada. Tras su muerte en 1971, se fueron sucediendo los directores que ya no formaban parte de la familia Disney.

La bella y la bestia.
Imagen:elseptimoarte.net

El renacimiento de The Walt Disney Company tuvo lugar en 1989 encadenando los éxitos de taquilla y crítica que comenzaron con La Sirenita (1989). Para La bella y la bestia (1991) decidieron animar su escena principal por ordenador y este cuento de hadas se convirtió en el primer film de dibujos animados en recibir la nominación a Oscar a la mejor película. Poco después, se representó en Broadway y fue el primer musical de Disney Theatrical Productions.

Combinar la animación tradicional con la de ordenador resultó todo un acierto y lo volvieron a hacer en Aladdin (1992), el Rey león (1994) y Tarzán (1999). Luego se lanzaron a crear la primera historia completamente realizada por ordenador y se la encargaron al estudio Pixar. El resultado fue el exitoso Toy Story (1995) que se convirtió en toda una franquicia. Las películas de ese estudio eran una maravilla como demostraron Monstruos S.A. (2001), Buscando a Nemo (2003) y Cars (2006). Lo que hizo que Disney comprara Pixar en 2006.

Con el fin del siglo XX y la llegada del siglo XXI, las historias se renovaron. Las princesas asustadizas que esperaban ser salvadas se convirtieron en mujeres decididas, guerreras como Pocahontas (1995) y Mulán (1998), que tomaban las riendas de su vida como Tiana y el sapo (2009) y que salvaban al «príncipe» como en Enredados (2010). Lejos quedaron los proyectos que Walt tenía para cuentos como La reina de las nieves, en el siglo XXI las protagonistas fueron la empoderada Elsa y la decidida Anna de Frozen (2013) que no necesitaron ningún príncipe que las rescatara.

Frozen
Imagen: The Walt Disney Company.

Atrás quedaron los tiempos en que el racismo era la norma y películas como Canción del Sur (1943) fueron eliminadas del catálogo.

En las últimas décadas los argumentos de las historias se han abierto a otras culturas como ya ocurriera en Mulán, y que hemos podido ver en películas como Coco (2017) o Encanto (2021). Ahora se trata los temas de igualdad de género, del amor interracial y se presenta personajes abiertamente homosexuales.

En los últimos años The Walt Disney Company se ha embarcado en transformar sus clásicos de animación (Cenicienta, La Bella y la Bestia, Mulán, La Sirenita) en películas de acción real.

La bella y la bestia en imagen real (2017)
Imagen: The Walt Disney Company.

The Walt Disney Company se ha encontrado ante el abismo de la bancarrota varias veces pero ahora goza de muy buena salud financiera y un gran prestigio. El universo cinematográfico de grandes sagas como Star Wars, Indiana Jones, Piratas del Caribe y los superhéroes forman parte ya de Disney con la adquisiciones de Marvel Entertainment en 2009, Lucasfilm en 2012 y Twenty Century Fox. Además en 2019 creó su propia plataforma streaming llamada Disney +

Logo: dominio público. Wikipedia.

Se cumplen 100 años de aquel lejano día en que dos hermanos armados de talento e ilusión abrieron una modesta empresa que hoy es el conglomerado mediático más grande del planeta. Las historias de Disney han marcado a las generaciones del siglo XX y XXI y siguen haciendo soñar a niños y adultos. El mundo está de celebración con homenajes, conciertos, exposiciones y programas especiales. El propio The Walt Disney Company celebra su centenario con un corto que reúne a casi todos sus personajes, con espectáculos en sus numerosos parques temáticos y la nueva película Wish: el poder de los deseos (2023).

Disney y Mickey en el Parque Walt Disney Studios en París.
Imagen: archivo personal.

Joaquín Sorolla.

Joaquín Sorolla y Bastida siempre estuvo enamorado de la pintura, de su esposa, de su familia, de la luz, de la naturaleza y del mar.

Joaquín nació en Valencia en 1863. Sus padres murieron de cólera cuando tan solo contaba dos años de edad. Huérfanos, su hermana y él, fueron acogidos por su tía Isabel y su tío José, cerrajero de profesión. Su familia descubrió pronto que el pequeño Joaquín no había nacido para cerrajero, que su pasión era la pintura y lo apoyaron. Con 15 años ya era alumno de la Academia de Bellas Artes de San Carlos en Valencia. Trabó amistad con su compañero de estudios Juan Antonio que lo ayudó a conseguir un empleo en el estudio de su padre, el fotógrafo Antonio García Peris. Aprendió composición, iluminación, encuadres y adquirió un gusto por la fotografía que lo acompañaría siempre.

Aquel año de 1878 marcó su vida: conoció a Clotilde, la hija de su mentor, y se enamoró perdidamente de ella.

Paseando por la orilla del mar. Joaquín Sorolla, 1909.
El óleo representa a Clotilde (con sombrilla) y a la hija mayor de ambos.
Imagen del Museo Sorolla. Wikipedia.

Desde 1885 a 1887 Sorolla vivió en Roma y en París. En 1888 regresó a Valencia para casarse con Clotilde y formar la familia con la que tanto habían soñado. Después de vivir en Italia y de viajar a París, la pareja se mudó a Madrid donde nacieron sus tres hijos.

Sin duda, Clotilde se convirtió en el apoyo inquebrantable de Joaquín e hizo mucho más de lo que se esperaba de ella. Joaquín pudo consagrar su vida a la pintura porque Clotilde se ocupó de todo lo demás: administración, contabilidad, planificación y hasta organización de sus exposiciones.

Caja de pinturas en el Museo Sorolla.
Imagen: archivo propio.

Joaquín siempre tuvo muy buena relación con su familia política. Su suegro y él se admiraban y respetaban. Lo retrató en varias ocasiones y García Peris lo fotografió pintando. Gracias a él tenemos documentadas obras de Sorolla hoy desaparecidas.

Fue un pintor activo, prolífico, con horarios estrictos, que trató numerosos temas y realizó retratos de personalidades de la época. Pero lo que más le gustaba era captar la luz y el color, pintar al aire libre y reflejar la naturaleza, el mar, la realidad. Sus viajes a París le habían reafirmado en su idea de que el naturalismo era su camino.

En aquella época Sorolla no dejó de presentarse a concursos y de participar en exposiciones colectivas. Estuvo presente en galerías de París gracias a su amigo Pedro Gil. En 1895 comenzó a ser conocido internacionalmente pero el éxito le llegó cuando en la Exposición Universal de París de 1900 consiguió el Grand Prix. Desde entonces fue distinguido con numerosas medallas y premios. Su primera exposición individual fue en París en 1906 y de ahí pasó a exponer en Berlín, Colonia y Londres.

«… Cuan desgraciado hubiera sido yo, si no te hubiera querido como te quiero, ¡que ratos tan tristes cuando no pintase!, y la misma pintura no creo me compensase si tú no me hicieras feliz, Dios en todo me atiende, muchos y apasionados besos. Pintar y amarte, eso es todo, ¿Te parece poco? …es esa especie de noviazgo sublime, lleno de esperanzas y de recuerdos que no teníamos cuando yo estaba en Italia. Cuantos años han pasado y parece que fue ayer, y como cuando ahora estamos separados, que largo se hace.» Sorolla a Clotilde, Sevilla, 22 y 23 de febrero 1908

Joaquín y Clotilde.

Su mayor éxito tuvo lugar en 1909 en un Nueva York que bullía por contemplar y comprar los cuadros de Sorolla.

Jardines de la casa.
Imagen: archivo propio.

Regresó pletórico a su Valencia y poco después comenzó el proyecto de su casa en Madrid, donde él mismo empezó a plantar su jardín en 1911. Era uno de esos pintores apasionados de la jardinería que quería llevar la naturaleza a su hogar. También consideraba muy importante la comida. Le llamaban mucho la atención las cartas de los hoteles donde se hospedaba y se entretenía haciendo bocetos rápidos tras los menús de los restaurantes.

En 1912 llegó el proyecto más ambicioso de su vida: el hispanista Sir Archer M. Huntington le hizo un gran encargo para la Hispanic Society of America.

Sorolla había ganado más dinero por otros trabajos, pero aceptó ilusionado y se entregó en cuerpo y alma a recorrer España, a plasmar con gran emoción y pasión los diferentes rincones del país hasta tener terminados sus 14 murales de Visión de España. A aquel viaje no pudo acompañarlo Clotilde y, como siempre que estaban separados, la ausencia la sobrellevaba con cariñosas cartas donde le contaba todo lo que hacía, lo que comía, las inclemencias del tiempo, el agotamiento. También le relataba como se le llenaba la cara de arrugas de pintar al sol y lo mucho que la echaba de menos.

Catálogo de la exposición de Bancaja:
Sorolla. Visión de España. Colección de la Hispanic Society of America.

Con cada misiva que entregaba al cartero recibía otra de su Clota. Ella le hablaba de sus hijos, de su día a día, de cómo le había organizado las cosas y de como cuidaba su jardín, destacando si el rosal amarillo había florecido. De aquel rosal plantado por Joaquín conservamos varios cuadros que han podido ser fechados, precisamente, por su floración o su tamaño.

En 1914 fue elegido académico de Bellas Artes de San Fernando. Pero él continuó con sus murales para Huntington, con su viaje por el país para pintar del natural que había comenzado en 1912 y que terminó en 1919.

Sin embargo, cuando volvía a estar tranquilo en su casa, las incomodidades pasadas, los esfuerzos prolongados, las emociones desbordadas le cobraron un precio muy alto. Un día de 1920, mientras pintaba un retrato en su jardín, sufrió una hemiplejía que lo paralizó. Tenía 57 años.

Escultura a Sorolla en los jardines del Museo Sorolla (Madrid).
Imagen: archivo propio.

Los murales de Visión de España no fueron enviados a Nueva York hasta 1922 y en 1923 fueron colgados, por fin, en la Sala Sorolla de la Hispanic Society of America, aunque se esperó a 1926 para hacer una gran exposición que los diera a conocer al mundo. Sorolla ya no estaba. Pese a los cuidados de su esposa, Joaquín murió el 10 de agosto de 1923. Este año se cumple el centenario del fallecimiento del pintor de la luz.

Clotilde García del Castillo sobrevivió a su marido 6 años. En 1925 dejó testamento donando sus bienes al Estado que se comprometía a crear un museo del pintor. En 1932 se inauguró el Museo Sorolla de Madrid con sede en la casa donde ellos vivieron.

Jardines de entrada a la casa de Sorolla. Actual Museo Sorolla (Madrid).
Imagen: archivo propio.